5 de julio: Il Mare - Hyun-Seung Lee - Corea 2000.

Kim es una chica dobladora de dibujos animados, que vive junto a la playa en una casa llamada Il Mare. Cuando se muda de casa, deja una nota en el buzón a su nuevo propietario para decirle que está esperando una carta importante.  Esa carta la recibe un joven arquitecto, Han, que vive en Il Mare, pero dos años antes... Así se inicia un intercambio de cartas atemporal del que comenzará a surgir fuertes sentimientos entre ambos. Pese al muro infranqueable que es el tiempo, harán lo posible por conocerse.
“IL Mare” es una película que se deja llevar por un ritmo pausado, que no demasiado lento ni cansino, que invita a la calma y al relax, dejándose saborear cada segundo.
Una historia sencilla con personajes sencillos, que absorbe desde el primer instante.
Un punto fuerte del film son las interpretaciones de sus dos actores principales.
Destacada fotografía, muy favorecida por los preciosos paisajes en los que transcurre la historia, y una más que adecuada banda sonora, que aporta un toque melancólico a la historia de amor.

28 de junio: Torrentes de amor - John Cassavetes - USA 1984.

Como es habitual en los trabajos del realizador, el film se basa principalmente en la descripción de la vida de los protagonistas, dos hermanos. Él es un novelista rico y acreditado, que está trabajando en la concepción de una nueva novela, centrada como sus obras anteriores en la figura de la mujer, la vida nocturna y la prostitución. Ella padece desequilibrios emocionales y psiquiátricos, con episodios bipolares. Ambos se sienten solos y desamparados. Ambos son de media edad y viven situaciones paralelas y similares, pero a la vez muy diferentes.
Cassavetes desgrana sus ideas sobre el amor humano y las define con precisión y riqueza de detalles. Lo hace, además, con convicción, claridad y una cautivadora sinceridad.
No expone sus ideario de modo directo y sistemático: lo hace, sobre todo, indirectamente, a través de detalles, gestos, matices y pequeñas incidencias concretas que reclaman la atención del espectador.
Es un filme que propone una definición del amor a través de dos ejemplos de personalidades extremas y contrapuestas y en eso basa su originalidad.
Penúltimo largometraje del actor, guionista y realizador independiente John Cassavetes, es un film singular y atípico, posiblemente el más anticonvencional del autor.

21 de junio: Carandirú - Héctor Babenco - Brasil 2003.

Magnífica película que nos narra, desde el punto de vista del médico, algunas historias de los reclusos de la prisión de Sao Paulo, y como éstos fueron asesinados a sangra fría por la policía.
Lo que ocurre al interior no es distinto a lo que podemos encontrar en otras prisiones de la región, en especial lo referido al sobrehacinamiento así como a las jerarquías internas que se desarrollan entre los internos, la formación de bandas, las rivalidades entre ellos así como la relación entre los internos y las autoridades.
Si bien es sórdida, Babenco no se detiene en las escenas crueles ni juzga a sus personajes, aproximándose a ellos con afecto.
La narrativa de la película es similar a un puzzle. Una historia choca contra otra para confeccionar un retrato realista de la tragedia social que envuelve Brasil.
Cada segundo es tensión, la atmósfera en que nos sumerge el director es tan realista, tan inhumana, tan bien hecha, sensacionalmente lograda la ambientación.
Carandiru no es una película carcelaria más, es un acercamiento documentado al extremo a la historia de los penales masificados.

14 de junio: El niño de la bicicleta - Jean-Pierre & Luc Dardenne - Bélgica 2011

Cyril, que pronto cumplirá 12 años, sólo tiene una idea en mente, encontrar a su padre que le ha colocado temporalmente en un hogar para niños. Conoce a Samantha por casualidad, que tiene una peluquería y que acepta acogerle en su casa durante los fines de semana. Pero Cyril no se da cuenta todavía del amor que Samantha siente hacia él, ese amor que tanto necesita para aplacar su ira...


La propuesta es sincera y honesta, humana y social, en la que los directores dejan su marca con sencillez, sin hacerse notar de manera ostensible. Nada sobra en la cinta y son muchas las cuestiones de interés planteadas, sin subrayados ni una aparatosidad pretenciosa. Los hermanos Dardennes logran tal vez su película más limpia, menos sórdida, la capacidad de síntesis, la falta de sentimentalismo y la catadura moral de su visión del mundo hacen de esta película uno de sus mejores logros. No hay jucios morales, lecturas interesadas, pedagogías innecesarias. Con su acostumbrada contención, los Dardennes han añadido otra exquisita entrada a su magistral trayectoria.

7 de junio: Mi noche con Maud - Eric Rohmer - Francia 1969

Jean-Louis, un ingeniero católico de treinta años, descubre un día a la salida de misa a Françoise, una mujer rubia, y presiente que algún día se casará con ella, pero la pierde entre la multitud. Por otra parte, su viejo amigo Vidal,  marxista convencido, lo lleva a casa de Maud, una bella divorciada.
Una de las más grandes películas del maestro Rohmer, ejemplo de cine vital, imaginativo, que hace de la lucidez su mejor arma. Puesta en escena desnuda y franca, de insólita belleza plástica.
El cine de Eric Rohmer se caracteriza por su sencillez y por su agudeza intelectual. Hay un clima de profunda sintonía con los ambientes en los cuales se desarrolla la acción, y con aquellos personajes que definen el sentido moral de cada una de sus historias, muchas de ellas constituidas sobre relaciones triangulares. Los diálogos intensos y continuos, la alambicada expresión de los sentimientos definen su denominado "cine de prosa".

31 de mayo: El caballo de Turín - Bela Tarr - Hungría 2011.

Partiendo de una anécdota concerniente a Nietzsche, centra sus casi dos horas y media de metraje en registrar la vida diaria de un carretero y su hija, en una humilde morada en medio de un paisaje hostil, remoto, perpetuamente castigado por un viento feroz. Los ecos de un mundo en descomposición son audibles. Dos horas y media de metraje pintado al carbón, sólo 30 planos, escasos diálogos. No hay nada menos abstracto que este filme. El cineasta despliega un portentoso expresionismo visual para mostrarnos el fin del mundo (que transcurre en seis días, el mismo tiempo en que Dios lo creó), que se desvanece en silencio, en calma, con lentitud, pero imperturbable, imparablemente. 

No hay reflexiones filosóficas o morales, no hay sentimientos, ni belleza, ni dolor. Solo está la muerte misma.

the Turin Horse resulta una película severa, que aprieta y ahoga y demanda al espectador tanto temple como sinceridad consigo mismo. Una de las películas más absolutas, demoledoras y radicales que se han hecho nunca.

24 de mayo: Exit through the gift shop - Bansky - Reino Unido 2010.

Thierry Guetta es un un francés que vive en Los Ángeles y cuya única obsesión es grabarlo todo con su cámara de vídeo. Un día decide ponerse tras la cámara para realizar una película sobre el arte urbano y llega a conocer a Bansky. En medio de la grabación, Banksy decide darle la vuelta a la cámara y grabar a Guetta, quien alentado por el propio Banksy se adentra en el fascinante mundo del arte urbano con el alias de Mr. Brainwash.

Un interesante juego de espejos sobre el arte callejero, el pop, la verdad y la mentira. Hecha con auténtico talento, con un sentido del humor y de la ironía magníficos. No está muy claro cuánto hay de ficción y cuánto de realidad, pero este espectáculo sobre el arte callejero es tan insólito como apasionante. Definitivamente, Banksy es un genio que no sólo domina sus terrenos plásticos, sino que ha logrado llevar a cabo un documental que pasará a la historia, no sólo por su calidad, su originalidad y su temática, sino también por su línea argumental, que evoluciona y se traslada de un lado de la moneda al otro con un decoro y una maestría singulares. 

Final del ciclo 2011.

Retomaremos el cine el verano en Santa Isabel (ver blog: cinesantaisabel.blogspot.com)


En Montevideo retomaremos en abril del 2012.


Muchas gracias a todos los que han podido concurrir, a los que no han podido y han seguido la programación, y a los que han aportado comentarios y sugerencias.


                                                        Jorge.

La Pianista - Michael Haneke - Austria 2001.

Erika (Isabelle Huppert) es profesora de piano en el distinguido Conservatorio de Viena. Ha cumplido ya la cuarentena y todavía vive con su madre (Annie Girardot), que controla todos y cada uno de sus movimientos durante el día. Esta relación tan posesiva y la ausencia del padre, que está ingresado en un psiquiátrico, la ha convertido en una mujer fría y solitaria que no sabe amarse, porque nunca ha percibido la gratuidad. Por eso, cuando un alumno, Walter (Benoît Magimel), se enamore de ella e intente seducirla, deberá encontrarse con el lado oscuro de su hierática e indescifrable profesora. A través de esta escabrosa historia, Haneke, siguiendo los nihilistas dictados de Jelinek (Premio Nobel de Literatura 2004), nos intenta mostrar, con una reflexión visual durísima - en la tónica de este director -,  el sadomasoquismo que surge cuando una cultura elimina la figura del padre y potencia el amor posesivo hasta cotas insospechadas. 

También a amar se aprende. No hay nada peor que nadie te haya enseñado.

Vals con Bashir - Ari Folman - Israel 2008.

Ari Folman, el director de este peculiar documental en dibujos animados, indaga en su experiencia como soldado israelí.

La búsqueda del realizador comienza cuando un antiguo compañero de armas le confiesa que tiene un sueño recurrente donde siempre aparecen unos perros. Ambos llegarán a la conclusión de que esas imágenes remiten a su intervención como militares en el Líbano. 

Consciente de que sus recuerdos sobre el conflicto armado son igualmente confusos, Folman decidirá entrevistar a aquellas personas que le acompañaron en aquella horrible experiencia. Poco a poco, y mediante la mezcla de testimonios reales e imágenes creadas por el subconsciente del propio cineasta, vamos desvelando lo que ocurrió en aquella terrible guerra. El dibujo animado actúa dando uniformidad  tanto al plano  documental como el meramente poético y casi surrealista. 

Con sensibilidad y una enorme fuerza visual, el realizador judío va mostrándonos el sinsentido de una guerra de la que los propios soldados no salieron indemnes. Vals con Bashir es brillante por lo importante que es lo que nos cuenta, la manera de la que lo estructura y forma en la que lo plasma (mezcla de realidad, sueño, recuerdo... pero nunca ficción aunque lleve su sello). Es una película inusual, rompedora e inclasificable.

Antes de la lluvia - Milcho Manchevski - Macedonia - 1994.

El film está estructurado en tres historias que tienen como trasfondo la guerra, que formando un círculo que no se cierra. Dos situadas en Macedonia y una, en Londres. Sus protagonistas viven varias historias de amor condicionadas por la violencia de la guerra. Pero el hecho de que el ambiente histórico vivido y recreado en la ficción no sea el tema principal, no quiere decir que sea un elemento prescindible, sino que constituye un necesario contexto del que el autor extrae inspiración.

Crítica feroz de la sociedad que estamos creando por nuestro odio y nuestra intolerancia. "Excelente y emocionante, rodada con un lenguaje poderoso, complejo e intenso".

Buena dirección, magníficas actuaciones, locaciones de gran belleza y una sólida y bien construida historia hacen imperdible a esta gran película.

El amor por tierra - Jaques Rivette - Francia - 1984.

Tras la representación en formato teatro de apartamento de una de sus obras sin su consentimiento, un autor teatral propone a los actores, participar en la representación de su siguiente obra. Para ello deberán trasladarse su casa, en las afueras y ensayar durante una semana la obra, de la que sólo conocerán el final en el momento de su representación. En la misma casa viven un mago de profesión, que mantiene con el autor una relación entre la amistad y la rivalidad, y un mayordomo. Cine, teatro, realidad, ficción todo se mezcla en un ambiente insidioso y fascinante. Todo esto con un gran sentido estético, elocuencia y diversión. La interpretación de Chaplin y Birkin, en sus papeles de amigas, confidentes y rivales, es excelente, su combinación de estilos está llena de sorpresas. Rivette además, desecha el uso de un guión predefinido, al objeto de dar paso a la improvisación y a la inspiración que fluye de ella. Rivette ama los espacios, la luz, la atmósfera, los sonidos, las sensaciones... el cine inexplicable que hay que ver.

Melancholia - Lars von Trier - Dinamarca - 2011.

Justine y Michael están celebrando su matrimonio en la magestuosa casa de su hermana y su cuñado. Al mismo tiempo, un planeta llamado Melancholia se dirige hacia la Tierra para colisionar con ella y provocar su destrucción.

Se trata de un thriller psicológico en el que las dos hermanas verán como va cambiado su relación ante el temor del fin del mundo. Mientras la solitaria Justine se enfrenta en el primer tramo del film a lo que podríamos llamar un apocalipsis interior, llegando a sentir fascinación por el azulado Melancolía, su hermana, integrada socialmente y madre de un hijo pequeño, se muestra débil y hundida con la muerte en el horizonte.

‘Melancolía’ es una obra apasionante que emociona, inquieta, altera y provoca. Von Trier crea una hipnótica, visulamente magnífica y casi siempre emocionante mezcla de drama familiar y meditación filosófica.

Quizá la réplica perfecta a 'The Tree of Life', en este 2011.

El árbol de la vida - Terrence Malick - 2011.

Palma de oro en cannes este año, el arbol de la vida sigue el viaje de la vida del hijo mayor de una familia de clase media de los años 50, que vive con su madre, que encarna el amor y la bondad, mientras que su padre, que representa la severidad, es el encargado de enseñarle a enfrentarse a un mundo hostil. Por otro lado, se trata también la historia del Universo desde sus orígenes.

A través de la imaginería singular de Malick, vemos cómo, al mismo tiempo naturaleza bruta y gracia espiritual construyen no solo nuestras vidas como individuos y familias, sino toda vida existente.

El nivel visual que lleva Malick al largometraje es un trabajo sublime. Cada imagen es como un poema cobrando vida propia. Tienen un aire sensorial y sensitivo estremecedor. La sensación de asombro y sobrecogimiento ante la perfección que está viendo es impecable.

El árbol de la vida es una odisea al lugar más recóndito de la existencia humana. Poema a la vida y al placer de vivirla.

Exotica - Atom Egoyan - Canadá - 1994.

En un club de strip-tease llamado Exótica baila Christina, una joven a la que regularmente viene a contemplar Francis, algo que enfurece al disck-jockey del local, Eric, quien está enamorado de Christina.

Egoyan gira las acciones del film en el deseo, en las consecuencias de un trauma familiar, en la atracción sexual, en el escapismo “exótico”, en la frustración o en las conexiones personales más allá de lo físico.

Egoyan va componiendo un sutil, mágico puzzle en torno a un inspector de Hacienda, uno de sus investigados, la chica a la que visita en un "strip-tease", el disc-jockey enamorado de ella y sus recuerdos.

Con un ritmo que, sobre todo en las secuencias en el local de exhibicionismo, cautiva por su fuerza hipnótica, iremos descubriendo las claves de este delicado puzzle, hasta encontrar que las piezas encajan de una forma, pero también podrían hacerlo de otras, tan distintas: misterios de la magia.

My Sassy Girl - Kwak Jae-young - Corea 2001.

La película cuenta la historia de Gyeon-woo (Cha Tae-hyun), un estudiante universitario que una noche accidentalmente en el metro acaba haciéndose cargo de una chica (Jun Ji-Hyun) incapaz de tenerse en pie debido a su estado de embriaguez. 

La base del éxito de esta película se encuentra en la química de los dos protagonistas que derrochan en cada una de sus escenas, ellos te hacen reir, lorar, emocionar y conmover con una facilidad, simpleza y eficiencia que no es acorde con las cortas edades que en esas épocas tenían los protagonistas.

My Sassy Girl es frescura y humor, es una odisea de la chica mala abusando del chico bueno, es una fábula de amor de los tiempos modernos que ha creado un estilo que hoy es muy dificil de superar, gracias al tan absurdo humor que utilizan y la manera en que lo mezclan con el romanticismo logrando mover todos los sentimientos del público.

Rufufu - Mario Monicelli - Italia - 1958.

Un grupo de ladrones inexpertos aconsejados por un ladrón ya retirado, decide preparar un robo en Roma, con la esperanza de que les saque de la miseria en la que viven. 

Una de las pandillas de caraduras más entrañable que jamás haya planeado un robo en una pantalla de cine.

A pesar de no ser muy conocida, “Rufufú” es sin duda uno de las obras clave de la comedia y una película obligada para cualquier amante del cine.

En esta divertidísima comedia italiana ambientada en la posguerra, las situaciones cómicas se suceden una tras otra y muchas de ellas han sido imitadas por casi todos los grandes directores de comedia. Comedia de personajes tristes, desgraciados, de barrio bajo, que hacen lo que pueden por sobrevivir. 

Los protagonistas se vuelven tiernos ante la pantalla, a pesar de la inmoral condición de sus actos.

Con un estupendo plantel de actores como Vittorio Gassman, Marcello Mastroiani, Renato Salvatori, Claudia Cardinale, Totò, entre otros.

Las tres coronas del marinero - Raúl Ruiz Francia 1983.

Un marinero le ofrece su puesto en un buque mercante que está por zarpar a un estudiante en problemas, a cambio de tres coronas y que escuche su historia.

A partir de ahí nos sumergimos en los múltiples relatos de la vida del marinero y sus encuentros con diversos personajes. Viaja en la nave de los muertos, tripulados por muertos y un vivo, siempre un vivo, hilvanando una sucesión de historias que evolucionan como una espiral. 

La historia salta de un lugar a otro, de un tiempo a otro, ya que está articulada por la memoria, con su lógica laberíntica. “Las Tres Coronas del Marinero” es una obra de un valor universal con un ancla en los sueños que Ruiz tiene con su patria, su infancia, su origen.

La fatalidad del viaje – del exilio – lo libera de las ataduras del ser social, del ser lógico. El ser se des-serifica se transforma en fantasma, en doble, en paradoja, en todo menos en sí mismo. 

Todo el cine de Ruiz es un cine ‘torcido’, porque es visto a través de curiosos prismas, siempre desnaturalizando la perspectiva clásica. Así como cada plano ruiziano lleva una marca, una cifra, o un secreto, una torsión, él propone ejes de toma de vista imposibles, utiliza todos los trucos.

En su cine, subyace más bien una fascinación por las aparentes «pequeñas historias»; un rechazo del racionalismo de la modernidad en favor de un juego de signos y fragmentos, de una síntesis de lo dispar, de dobles codificaciones.

Náufrago en la Luna - Hae-jun Lee - Corea del Sur - 2009.

Tras un fallido intento de suicidio en el río Han, un ejecutivo termina en una isla desierta ubicada en medio de la ciudad. Una joven, recluida en su habitación por años, lo observa de lejos y encuentra en él un motivo para salir de nuevo al mundo.

A través de su filme "Náufrago en la Luna", el cineasta coreano Hae-jun Lee realiza una fantástica historia de amor y esperanza de vida, tomando como pretexto a un ejecutivo frustrado y a una joven desesperada por su aparente fealdad física. La comunicación que establecen el joven náufrago y la mujer que espía cada movimiento suyo, no es menos absurda que lo anteriormente planteado, pero El director explora esta idea con una convicción y un desparpajo tan grandes que logra que todo funcione demasiado bien. Como se puede tomar una historia absurda, imposible y alocada para transformarla en algo bello, poético y maravilloso. El guión está elaborado a la perfección, con un lenguaje onírico y realista a la vez, llevándonos a los sueños y pesadillas de sus dos protagonistas, con un desarrollo fluido y constante, con una carga de comedia y de drama perfectamente equilibrada.

En resumen: una trama inocente, delicada y deliciosa que nos invita a reflexionar sobre las relaciones humanas, la tecnología, lo que es realmente importante para nuestra vida y lo que hay bajo las máscaras que todos nos ponemos para sobrevivir en este mundo. 

Fando y Lis - Alejandro Jodorowsky - Mexico 1968.

Lis, una mujer paralítica, y su disfuncional pareja, Fando, van en busca de la ciudad encantada de Tar, lugar donde se encuentra el éxtasis espiritual. Sin embargo, en el camino se les presentan múltiples personajes y situaciones peligrosas que obstaculizan su llegada a la mítica ciudad. Transitan lastimosamente senderos de mal amor e incomunicación, enredados en un laberinto vacío de hermosas palabras. 

Los personajes del alocado mundillo de Jodorowsky son exagerados, extremos e histéricos. Tal vez son reales. O tal vez son imaginarios. Quizás fantásticos. Todos tiene algo que decir y representar. Cada uno es signo y símbolo de una inmensa semántica audiovisual.

Fando & Lis posee el encanto de la osadía y el vértigo que muchas obras ausentan, no solo en el cine, sino en todo lo que se llama arte, cuya mayor virtud es la libertad expresiva de un autor exento de inhibiciones.

Fando y Lis es un monstruo, un artefacto audiovisual de una libertad inaudita. No otorga la mínima concesión y su visionado resulta ser una impactante experiencia, para bien o para mal. Con enervante pulso narrativo, el film se abre paso a machetazos con un lenguaje pocas veces visto en un audiovisual.

Todo sobre Lily Chou-Chou - Shunji Iwai - Japón 2001.

Yuichi es un joven que vive en un pueblo cercano a Tokio. Su admiración por la cantate Lily Chou-Chou le lleva a crear un foro en la web dedicado a ella donde usa el nombre de webmaster philia. Internet y la música pop funcionan como un escape temporal, una oportunidad para expresar unas ideas y sentimientos que luego no se reproducen en la realidad.

Iwai llena la pantalla con imágenes de una poesía pura sobre la ansiedad y angustia de la juventud japonesa, expresando lo inexplicable en un torrente de fotogramas de violencia, humor, deseos insatisfechos... Filma de manera exquisita esta realidad, gracias a una cámara en constante movimiento y con la ayuda de filtros de luz tremendamente irreales y que dotan a este mundo de un carácter casi onírico.

All About Lily Chou Chou es un film exigente con el espectador. Su estructura narrativa es bastante compleja, ya que la historia se narra en flashbacks sin demasiado el marco temporal. Un fotograma se repite en la cabeza: los planos solitarios de los adolescentes en esas verdes praderas, solo acompañados por unos audifonos. Aparentemente se encuentran muy alejados entre ellos, porque no son conscientes que una sola palabra podría acercarlos.

El infierno del Odio - Kurosawa - Japón - 1963

En un momento crucial de su vida financiera, Gondo, recibe la noticia de que su hijo ha sido secuestrado, y el rescate exigido es una cantidad de dinero similar a la que necesita para cerrar una importante negociación. Gondo está dispuesto a pagar el rescate hasta que comprende que los secuestradores se han equivocado y se han llevado al hijo del chófer. Ahora deberá decidir si el dinero es más importante que la vida del niño.
Del maestro Kurosawa pocas veces se menciona este espléndido thriller policíaco repleto de complejas reflexiones acerca de la justicia, las desigualdades sociales y el rencor.
Es una película excepcional y compleja en su contenido, que revisa las motivaciones características del cine negro y de sus personajes, dotándolas de una carga moral más profunda y oscura.
Una de las obras menos valoradas de su autor pero, paradójicamente, uno de los films que mejor define su estilo, hasta el punto de constituirse en un auténtico paradigma.

3 Idiotas - Rajumar Hirani - India 2009

Bollywood proviene de la fusión de los términos Bombay y Hollywoood y se refiere al cine comercial de la India, el de mayor producción en el mundo.

Bollywood se basa en un espectáculo lúdico en el más puro sentido de la palabra, una fiesta en la que todos los géneros, acción, drama, comedia, político ó musical, se pueden dar cita en la misma película y en la que sus protagonistas tan pronto luchan y lloran como cantan y mueven la cintura a ritmo del hindi-pop más frenético, suplantando las inexistentes escenas eróticas con policromos números musicales de indudable encanto y dudoso gusto para el espectador occidental menos avezado. 

Restauradora de valores y, sobre todo, ejemplar, 3 idiotas es una película efectiva, llena de recursos simples, que si bien en ocasiones pueden llegar a parecer baratos, no dejan de cumplir el cometido de emocionar. El valor de la amistad, la vocación por enseñar y aprender, por seguir los sueños a pesar de las presiones externas, a no rendirse, en fin, son éstos y varios tips más que se ponen al descubierto en este largometraje. Es notable que esta película logre amalgamar tan bien sus carcajadas con golpes bajos.

Desde lo técnico, una comedia entremezclada con pequeños musicales, seguidora del diseño clásico, tiene muy en cuenta las maneras y las formas para mantener al espectador entretenido. 

Las locaciones, paisajes, vestuarios, etc. denotan una puesta en escena importante, bien cuidada. 

El Fantasma de la Libertad - Luis Buñuel - Francia - 1974.

El fantasma de la libertad muestra una galería de personajes surrealistas conectados entre sí por la más pura casualidad. Catorce historias distintas, unidas a veces por personajes comunes. El argumento comienza en 1808, cuando las tropas napoleónicas asaltan Toledo.

Buñuel propone estrambóticas situaciones que critican las convenciones sociales y, como es habitual en su filmografía, también la religión. La obra es una joya surrealista que pone en cuestionamiento la tradición y las costumbres burguesas. Esta perversa, incongruente y absurda obra, en clave de comedia, reúne un compendio de los temas que preocuparon a Buñuel a lo largo de su carrera, como ya hemos dicho, la hipocresía de la moral burguesa y la arbitrariedad de las convenciones sociales.

Con una mirada final, que es un poco la mirada atónita de cualquiera ante el espectáculo violento y sin sentido de la historia humana…

Naked (Indefenso)- Mike Leigh - Inglaterra - 1993.

Después de tener un problema en Manchester, Johnny roba un automóvil y decide conducir hasta Londres en busca de su antigua novia. A partir de allí va a vagar sin casa ni hotel, siendo cobijado a veces por desconocidos. No tiene dinero. Es gran lector y una persona imaginativa. No le faltan temas de conversación. Es una máquina de decir cosas. Despreciando a todos los que se preocupan por él, Johnny se interna en una nocturna odisea por la ciudad, chocando con una sucesión de desesperados y desposeídos, aplastándolos.

Del cineasta británico es clásico ya comentar su método de realizar una película con un guión abierto, que deja en manos de los actores y actrices, con inesperados giros que modulan la película.
Con este film se ve al Leigh más sarcástico y absurdo. El infierno que bate bajo el suelo de Londres es radigrafiado a través de la más lúcida y violenta mirada del cine moderno.

V.O.S. - Cesc Gay - España 2009.

V.O.S. (Versión Original Subtitulada) es un continuo juego entre realidad y ficción. Basada en la obra teatral de Carol López y con los mismos actores, V.O.S. desvanece las paredes del escenario y arrastra al espectador hacia un juego de espejos entre realidad y ficción, con el rodaje de una película de pretexto. 

Uno de los personajes es un cineasta y, desde el hipotético guión que tiene entre manos, conduce a sus tres compañeros de reparto por los vericuetos de una comedia romántica que no se deja atrapar por el decorado.Toda esta huida hacia la opción de mostrar lo que de artificial tiene el rodaje de una película, se convierte en un ejercicio de estilo más que estimulante, lo que allí se cuenta, resulta igual de creíble que si fuera un cine empeñado en atrapar por medio de una obra más anclada en la realidad.Con un notable ejercicio de estilo, en el que, el argumento de una comedia romántica  será la excusa para una lúcida reflexión acerca de los artificios de contar historias.

Thomas está enamorado - Pierre-Paul Render - Bélgica - 2001.

Como todo se puede hacer ya por medio de un ordenador, Tomás, que es agorafóbico, no ha salido de su piso en los últimos ocho años. Como además es un sociópata, tampoco recibe a nadie, relacionándose exclusivamente en el ciberespacio. A pesar de que su vida parece estar completa, extraña el contacto humano y, siguiendo el consejo de su analista, decide quedar con una mujer a la que ha conocido por medio de un servicio on line.
En una inquietante premonición de nuestro porvenir, la película explora la singularidad del contacto virtual y la falta de peso carnal de una vida mediada por la distancia y el ordenador. Más sutil que brutalmente se exponen importantes reflexiones con un gran sentido del humor que no evita el dramatismo, creando una excitante historia de la buena ciencia-ficción: la que entretiene a la par que analiza hablando del futuro el ser humano y la sociedad del presente.

La Tentación de San Tony - Veiko Õunpuu - Estonia - 2009.

Surrealista y bizarra, la la tentación de St. Tony es, tal como reza la cita del Inferno de Dante, un camino recto que acaba por encontrarse perdido. Pero, como siempre, la gracia está en cómo se relata ese camino. Õunpuu decide alejarse de las estructuras narrativas más comunes para ir destruyendo lentamente la moral y la mística del éxito para poder mostrar la perversión. La estética, altamente simbólica, va dibujando la muerte con sus fases, sus momentos de éxtasis. El momento de la realización, cuando las piezas encajan, es el resultado de una narrativa tan condicionada que puede aguantar cualquier conjunto de prejuicios. Tony es tentado por la bondad del amor y la religión, pero consigue evitar el golpe y seguir adelante, entre esa neblina blanca, para seguir devorando al resto de la humanidad desde su coche deportivo.

Una compleja y surrealista fábula que con humor negro y bizarro nos conduce por una grotesca e infernal visión de la sociedad post-soviética. Agitamos Lynch, Passolini, Kafka y Dante en un cocktail que nos serviría Buñuel y damos con esta experiencia cinematográfica única.

Cerezos en Flor - Doris Dorrie - Alemania - 2008.

Trudi sabe que su marido Rudi sufre una enfermedad terminal. El médico sugiere que hagan algo juntos, algo que deseaban hacer hace mucho tiempo. Trudi decide no contarle a su marido la gravedad de su enfermedad y seguir los consejos del médico, asi que convence a Rudi para que vayan a visitar a sus hijos y nietos a Berlín. Pero cuando llegan allí, se dan cuenta de que sus hijos están concentrados en sus propias vidas y no tienen tiempo para ellos.
Y de repente, Trudi muere.  Rudi está desesperado y no sabe qué hacer. A través de una amiga de su hija se entera de que el amor que sentía Trudi por él, le había apartado de la vida que ella hubiese querido llevar.
Así que se embarca en un último viaje que le llevará a Tokio, donde se celebra el Festival de los Cerezos en Flor, un canto a la belleza, la transitoriedad y los nuevos comienzos.

La noche - Michelangelo Antonioni - 1961.

La noche  está estructurada cronológicamente alrededor de una noche. Empieza una mañana y acaba con las primeras luces del otro día. Los protagonistas son un escritor y su mujer, de clase social acomodada.La agonía de un amigo revela a una pareja, el igualmente agonizante estado de su relación. A lo largo de una noche, en la cual festejan la presentación de un nuevo libro, ambos enfrentan el vacío de sus vidas.
El argumento de “La noche” se sustenta sobre una serie de temas fundamentales en el cine de Antonioni, la incomunicación de los seres humanos, el dominio de lo urbano, la fidelidad en la pareja, la deshumanización de los entornos, ...

El jefe de todo esto - Lars von Trier - Dinamarca - 2005.

El dueño de una empresa de tecnología de la información quiere venderla. El único problema es que, cuando fundó la empresa, se inventó a un presidente ficticio detrás del que podía resguardarse cada vez que era necesario tomar decisiones incómodas. Cuando los potenciales compradores insisten en hablar directamente con el jefe, no le queda más remedio que contratar a un actor en paro que se haga pasar por presidente. Von Trier ironiza sobre el proceso cinematográfico, las relaciones laborales y las apariencias en una película divertida, con diálogos absurdos, personajes extraños y situaciones disparatadas.

The Searchers (Más corazón que odio) - John Ford - USA - 1956.

Uno de los western emblemáticos de la historia del cine, dirigido por un John Ford en plena madurez artística y profesional. John Wayne encarna en la película el personaje de un hombre que busca a su sobrina, secuestrada por los miembros de la tribu india que asesinó a su familia. Un personaje, el de Ethan Edwards, que podrá gustar poco o nada, pero que sintetiza la personalidad más compleja jamás observada en un icono del western.
Es una rareza en el cine americano de los cincuenta, y más en el western. Ethan tiene una dimensión dramática atemporal, es de una modernidad desconcertante. Con la brillante interpretación de John Wayne se nos muestra un personaje oscuro, primitivo, obsesionado. Es un personaje-símbolo. Encarna al nómada, al salvaje, al que no es capaz de adaptarse, y con ello Ford lo convierte en un personaje romantico, soñado, condenado a desaparecer.

Gadjo Dilo (El extranjero Loco) - Tony Gatlif - Francia/Rumania - 1997.

En esta película el personaje principal Stephane, realiza un viaje musical a una comunidad romaní en busca del músico Nora Luca y enfrenta un choque cultural entre la cultura occidental y el pueblo gitano.
La película del director Tony Gatlif es una emocionante aventura que se palpita en cada imagen. Una aventura que uno intuye entre camarógrafos, director y actores, porque principalmente Gadjo Dilo es un manantial de imágenes, sonidos y colores que van tejiendo la trama donde se desarrolla una historia sencilla y emotiva que en realidad pierde su sentido narrativo ante la profundidad de cada escena (o quizás encuentra otra veta) que nos introduce en el mundo gitano con la astucia, la pasión y los extremos de emoción de esta raza.

Soul Kitchen - Fatih Akin - Alemania - 2009.

“Soul Kitchen” goza de un mood contagioso, de una condición de comedia ligera no obstante necesitada, en su engranaje, de ese trasfondo social que propicia desventuras y peripecias de un puñado de tipos de la clase media-baja alemana: el desafortunado dueño de un restaurante, su hermano parásito y trapichero, una camarera arisca y okupa, un cocinero tarado y genial. Todos ellos suponen los cimientos de una comedia altamente dependiente de sus personajes, construida a partir de estos y sus tropezones existenciales.